Un corto distinto.

Este es un corto que fue desarrollado de una forma distinta a los convencionales.
Se llevo a cabo mediante las fotografías tomadas con un teléfono movil(uno de los modelos mas bäscos de nokia) y con ellas se llevo a cabo el montaje, siendo la creacion de los escenarios y los personajes el aspecto mas dificil de conseguir.
En el se narra como Elio, un simple conserje, desea dejar atras su aburrido trabajo
y ser una estrella.


http://www.youtube.com/watch?v=sb5Orb1IOyg

HENRI CARTIER BRESSON

Cartier-Bresson nació en una familia acomodada pero frugal ("de pequeño pensaba que era pobre"). En los años treinta, mientras estudiaba en la academia del artista cubista André Lhote en París, las imágenes del fotógrafo húngaro Martin Munkacsi le animaron a dejar los pinceles."Me digo a mí mismo, ¿como alguien puede hacer eso? Esa mezcla de belleza plástica y vitalidad. Me veía muy bien dedicándome a eso". Sin Henri Cartier-Bresson sin duda no tendríamos memoria. Al menos no memoria gráfica, no de una cierta época, no de una cierta visión, la vida a través del objetivo de una Leica, siempre en blanco y negro. Las fotos del maestro francés están de tal forma impresas en nuestra retina que pasearse por las salas del Museo de Arte Moderno, es un recorrido por los recuerdos nunca vividos.

Y fueron muchos. En la entrada de la exposición varios mapas trazan los recorridos de un viajero incansable, que surcó el mundo. Una hazaña para alguien que odiaba volar. En España estuvo dos veces, en 1933, Andalucía y costa mediterránea, en burdeles de Alicante y calles de Valencia y, luego, en 1965.

La primera muestra que el MoMA organizó de Cartier-Bresson sería póstuma y apuntaló la incipiente dedicación al fotoperiodismo. Poco después, en 1947, Cartier-Bresson fundaba con Robert Capa, George Roder y David Seymour la mítica agencia Magnum. Fue el fotógrafo de la espontaneidad, de las images à la sauvette (en traducción libre "instantáneas robadas en el momento"), del hombre saltando en una calle encharcada "detrás de la estación de St. Lazare", de la familia de picnic "a las orillas del Marne"…

Claridad y transparencia

Siempre estaba en el momento adecuado, en el lugar idóneo

"El éxito de Cartier-Bresson reside en su sofisticación cultural", explica el comisario de la exposición, Peter Galassi, "en cualquier parte del mundo, en cualquier entorno de jerarquía social, era capaz de saber quién era quién y quién hacía qué. El otro factor clave es la claridad y la transparencia del estilo fotográfico de la posguerra, que se centraba en lo realmente importante y descartaba lo secundario".

El fotógrafo creía en la empatía con el sujeto de su obra. "Tiene que haber una relación entre el ojo y el corazón", explicaba a la revista Harpers Baazar en 1946: "Uno debe llegar a lo que capta con espíritu puro, debe ser estricto. Debe haber un tiempo para la contemplación, la reflexión sobre el mundo y la gente. Si uno se dedica a fotografiar a la gente, lo que realmente cuenta es la mirada interior".

Cartier-Bresson no solía explayarse sobre su trabajo. Otorgó pocas entrevistas y no se dejó fotografiar hasta bien entrada la vejez, porque temía perder el anonimato que le permitía incidir en vidas ajenas"Tomar una foto es reconocer un acontecimiento", decía en una entrevista al diario The New York Times en 2003. "

El movimiento surrealista, que en aquella época dominaba la vida artística parisina, tuvo una profunda influencia sobre él. Primero literalmente, cuando se apuntó al grupo, y luego en espíritu, al otorgarle una libertad iconoclasta. Expuso por primera vez en Madrid, en 1933, y un año más tarde en México, junto con Manuel Álvarez Bravo. Pero la guerra cambió radicalmente su estética. La limitación formal de sus trabajos de juventud voló por los aires con tanta muerte.

El cazador de imágenes

Se consideraba un cazador de imágenes. "Algunos cazadores son vegetarianos, esa es mi relación con la fotografía". Su meta era capturar la vida mientras la vida miraba despreocupada hacia otro lado.

En 1975 Cartier-Bresson decidió colgar su Leica y, salvo algún retrato ocasional, dedicarse a dibujar. "El dibujo es una meditación", decía en 1994 de nuevo a The New York Times. "Ahora todo el mundo habla de fotografía. Me he pasado 50 años haciendo fotos. Pero ¿cuántas de las que he hecho pueden mirarse durante más de tres segundos? ¿50? ¿100? Nada más".

Catrtel para el corto.

Fotografía digital

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POR ART

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POP ART

A partir de 1960 aparece en EEUU el arte pop de la mano de Andy Warhol,,robando protagonismo a la pintura.Este fenómeno fue posible gracias al uso de las técnicas de los medios de comunicación de masas y su impacto comercial.La publicidad, el diseño industrial, el cartelismo, las revistas ilustradas, todos ellos ramas menores relacionadas con el mundo del arte, encontraron su cauce expresivo dentro del movimiento del "pop art". En el Pop-Art, la belleza es susceptible de ser encontrada en cualquier objeto de consumo se aceptan Imágenes de tebeos, revistas y comics; también del cine, la televisión y de los anuncios publicitarios .

-Las características del pop art son las siguientes

1- Es figurativo y realista

2- Creación de efectos visuales (vibración, parpadeo, movimiento aparente)

3- Diseños de formas geométrico-cromáticas simples, lineales o de masa en combinaciones complejas.

4- Composiciones meticulosamente realizadas.

5- Composiciones estructuradas mediante espacios geométricamente ordenados de diferente tamaño o mediante módulos repetitivos o en variación.

6- Participación del espectador: en muchos casos el observador necesita moverse delante de la obra para apreciar toda la gama de efectos ópticos.

7- Ejecución de trazos definidos delineados con precisión.

8- Colores planos de contornos netos.

9- Empleo frecuente de pintura acrílica para conseguir colores impecables entre lisos y uniformes.

10- Estilo muy crítico con la sociedad de consumo y sus valores que rodean al hombre.

-Otras características del pop art son

1- Está ligado a los medios en el ambiente urbano y a los aspectos especiales de este: comics, publicidad, fotos, Hollywood, parques de diversiones, medios de masas en su faceta más sensacionalista, artículos domésticos.

2- Los motivos no son tradicionales (una lata de sopa, por ejemplo), lo que capta más la atención del público.

-Arte pop en Estados Unidos

En Estados Unidos, el pop entra en escena en 1961 con más fuerza que en ningún otro lugar, a pesar de las reticencias de algunos críticos al principio, dada la fuerza que el expresionismo abstracto tenía en todas las instancias de la industria del arte. Sin embargo, la imaginería pop era fácilmente asimilable como algo puramente estadounidenes tanto artistas como coleccionistas, estaban de un cierto modo en lucha o competición con lo europeo. La confirmación de esto se produjo con la exposición titulada El Pop Art y la tradición estadounidense en el Centro de Arte de Milwaukee en 1965. Este aspecto nacionalista era lo único que lo acercaba a la generación de los expresionistas abstractos; en lo demás todo es opuesto: los artistas pop ironizaban sobre la caligrafía y el gesto característicos de los expresionistas y en general el interés puesto en desechar de la obra toda traza de la intervención manual del artista.

-Autores mas representativos

- ROBERT RAUSCHENBERG (1925). Artista norteamericano, inventor de los "combine paintings" o "collages" creados con diversos objetos cotidianos así como sus famosos "collages fotográficos", fotografías sobre lienzos pintados. Sus collages fotográficos fueron convertidos en litografías y serígrafías

.

- JASPERS JOHNS (1930). Sus series de banderas norteamericanas, así como la de dianas y números y letras se han convertido en verdaderos iconos del S. XX

.

- ANDY WARHOL (1928-1987). El más famoso de los artistas pop. come

nzó trabajando en el campo de la publicidad comercial ilustrando f

amosas revistas como "Vogue". Practicó con éxito la estampación de fot

ografías

a través de l

a serigrafía, reproduciendo las conocidas imágenes de la "Estatua de la libertad", "Marilyn Monro

e", "las latas de sopa Campbell" etc...

- ROY LICHTENSTEIN (1923). Se inspira en el lenguaje del comic para realizar sus serigrafías y litografías.